Nous avons interviewé Svetlin Vassilev, invité d’honneur de la 41e édition du Salon international de l’illustration pour enfants de Sarmede. L’artiste, qui a à son actif plus d’une cinquantaine de titres traduits dans différentes langues, a également illustré des textes de Ray Bradbury, William Shakespeare et Charles Dickens. Défini comme un véritable « peintre littéraire » pour ses créations artistiques inspirées de Roméo et Juliette et des mythes grecs, il vit en Grèce depuis 1997, où il a remporté le prix d’État honorifique de l’illustration avec son Don Quichotte. Le livre Il piccolo musicista (« Le petit musicien »), présenté à l’occasion de la manifestation de Sarmede, célèbre le thème du talent : le « grand musicien » doit surmonter l’interdiction – imposée par son père lorsqu’il était enfant – de jouer de l’accordéon, méprisé comme un instrument trop humble. C’est précisément la rencontre avec un petit musicien de rue qui marque le retour de l’inspiration et de la joie dans la vie du maître :
« Le petit musicien regarde les passants avec des yeux sérieux.
Ses doigts volent sur les claviers de l’accordéon. Ses yeux voyagent loin : ils rejoignent le long chemin qu’il a parcouru pour arriver dans cette ville et son professeur de musique qui est resté sur place et qui n’existe peut-être plus ».
(Alexandra Mitsiali e Svetlin Vassilev, Il piccolo musicista, traduzione di Antonia Spanopoulou, Kite edizioni, Padova, 2023, p. 10. C’est nous qui traduisons.)
Le fil rouge de l’édition qui vient de s’achever, sous la direction de Gabriel Pacheko, est précisément le concept d’horizon/de frontière, bien présent dans la biographie de Štěpán Zavřel, fondateur de l’Exposition internationale d’illustration pour enfants en 1983 : la métaphore du franchissement de la frontière a été réinterprétée et transfigurée dans les œuvres de divers artistes de l’exposition : de la perspective historique à la perspective environnementale, en passant par l’exploration de la capacité de l’imagination comme source inépuisable de création de nouveaux mondes, et donc de « frontières » qui ouvrent de nouvelles possibilités.
Le livre est également un hommage à Charlie Chaplin et à Buster Keaton, dont les silhouettes sont visibles dans certains contours de personnages et dans des décors évocateurs.
L’histoire du Petit Musicien nous enseigne que la transmission des enseignements et des expériences entre les différentes générations est fondamentale : serions-nous en train d’assister à la perte de ce lien depuis quelques années ?
Retranché dans mon studio, avec si peu de contacts avec le monde extérieur, je ne suis certainement pas un expert en la matière. J’aimerais cependant exprimer quelques réflexions.
Le seul sujet sur lequel je pense pouvoir dire quelque chose d’intéressant est l’enseignement et l’apprentissage des arts, en particulier des beaux-arts. Les mots que nous utilisons dans le sens de « transmettre un savoir » semblent être les mêmes dans différents domaines, mais ce n’est pas le cas. L’enseignement des mathématiques, de la chimie ou encore des langues obéit à une certaine constance et stabilité. Depuis des siècles, deux et deux égalent quatre et il semble qu’il en sera toujours ainsi. Il y a bien eu de temps en temps quelques correctifs dans les sciences ou l’utilisation des langues, mais les bases sont plus ou moins stables. Dans les beaux-arts, en revanche, nous passons, par exemple, de maîtres absolument formés, comme le néoclassique français Ingres, à des amateurs absolument incultes comme Rousseau, dans le même pays et à seulement quelques décennies d’intervalle. Il est facile de voir que tout ce qui se trouve entre les deux est attribuable à des concepts tels que « opinion », « mouvement » ou « déclaration de l’artiste ».
L’enseignement de l’art est donc assez compliqué, surtout aux niveaux supérieurs. Il faut, d’une part, un professeur expérimenté, attentif à ce qu’on lui demande et à qui on le demande, patient et compréhensif, et, d’autre part, un élève confiant et déterminé. Lorsqu’il s’agit d’artistes, c’est-à-dire de personnes hypersensibles et très souvent égocentriques, l’absence de ces expériences d’enseignement et de transmission est tout à fait plausible. Je crois que c’est un processus naturel, sauf peut-être lorsqu’un mouvement est à son apogée. Heureusement, les pensées et les déclarations artistiques sont révélées dans l’exposition, dans les œuvres des artistes, de sorte que lorsqu’un autre artiste d’une autre génération a quelque chose de plus à « dire », il est libre de poursuivre le dialogue.
Un autre aspect de l’histoire du Petit Musicien m’interpelle. C’est peut-être parce que je suis proche de cet âge : perdre le contact avec les racines, avec le début, avec le sens de « tout cela » est une question assez cruciale pour moi. Au fil des ans, il est devenu très courant, dans ce monde obsédé par le « succès » et effrayé par l’ « échec », que les artistes deviennent trop analytiques, cherchant à créer une œuvre parfaite, « irréfutable ». Les créations artistiques basées sur la logique, sur une réflexion profonde, perdent souvent ce sentiment de magie qui sépare l’art du reste.
Autre chose. Nous vivons dans un monde où trop de choses arrivent trop vite (en matière de technologie, je veux dire) et nous, parents, vivons et explorons la vie en même temps que nos enfants, parfois même après eux. Ainsi, la question de savoir « qui enseigne à qui » est plutôt discutable de nos jours.
L’inspiration de Klimt vous incite-t-elle à prêter attention aux détails ? Si c’est le cas, est-ce dans un but exclusivement esthétique ?
L’influence de Klimt et de Schiele sur moi a été beaucoup plus forte au début de ma formation artistique. Ils ont joué le rôle le plus important à ce moment-là, lorsqu’il s’agissait de décider si la « couleur » ou le « dessin » devait jouer le rôle principal dans mon travail. Comme vous le savez peut-être, à un moment donné, tout artiste est confronté à ce problème artistique (qu’il s’agisse d’art formel, non formel ou abstrait) et doit décider ce qui est le plus important et aller de l’avant. On m’a donc « aidé » à prendre ma décision. Le souci du détail n’est pas quelque chose que je recherche ou à laquelle je prête beaucoup d’attention. Le niveau de détail vient naturellement lorsque l’on recherche une certaine expressivité dans un projet ou une œuvre. Par exemple, dans « Oedipus Rex » et « Antigone », les illustrations sont plutôt simples et moins détaillées, car, selon ma sensibilité, une tragédie grecque nécessite une approche plus « laconique » et plus directe. J’ai donc utilisé des surfaces plus plates, presque monochromes, et des arrière-plans simplifiés. En revanche, j’ai réalisé « Roméo et Juliette » de manière richement décorée. Cela me semblait plus approprié et plus proche du texte. Cependant, j’espère que les gens verront d’abord la partie humaine, ressentiront l’émotion, avant de considérer le degré de détail des vêtements ou de l’environnement. Donc, pour répondre à la question, je n’utilise des éléments décoratifs que lorsqu’ils m’aident à enrichir l’expression et l’impact sur le spectateur.
Que recommanderiez-vous à quelqu’un qui souhaite travailler dans l’illustration ? L’école peut-elle faire beaucoup ?
Mon conseil est toujours le même : « Aimez et désirez ce que vous faites ». Lorsque vous voulez vraiment quelque chose, vous trouverez votre voie. L’école peut faire beaucoup et fait beaucoup. Si le travail de l’école est bien fait, le monde deviendra meilleur.
Certains éléments du folklore local, comme le lutin Mazarol et la sirène des Dolomites Anguana, sont encore présents dans les peintures murales et les romans d’aujourd’hui : peuvent-ils être revisités par le monde de l’illustration?
Bien sûr ! Très souvent, les illustrateurs en quête d’inspiration dénichent et utilisent ces précieux joyaux. En d’autres termes, ils font « revivre » ces personnages : ils leur redonnent vie en les enrichissant d’un nouvel aspect ou d’une perspective supplémentaire. Mais tout commence par un écrit, car l’illustration fait généralement suite à un texte.
